miércoles, 20 de julio de 2011

EL PASO (GRUPO ARTÍSTICO)

El Paso fundouse en febreiro de 1957 en Madrid, sendo o grupo de maior relevancia na configuración e definición da vangarda española de posguerra. Os integrantes Del paso no momento da firma do manifesto e nas súas primeiras exposicións como colectivo foron os pintores Rafael Canogar, Luis Feito, Juana Francés, Manolo Millares, Manuel Rivera, Antonio Suarez, Antonio Saura e o escultor Pablo Serrano. Xunto a estes artistas formaron parte do grupo os críticos de arte José Ayllón e Manolo Conde. No ano 1958 incorpóranse os artistas Martín Chirino e Manuel Viola.

En marzo de 1957 publicouse o manifesto Del paso redactado por José Ayllón e co símbolo do grupo realizado por Antonio Saura baseándose nunha obra de Pablo Serrano. En abril dese mesmo ano inaugurábase a primeira exposición do grupo na Libraría-Galería Buchholz de Madrid.

O Grupo El Paso desempeñou un papel fundamental no proceso de normalización dunha vangarda, desorientada e dispersa dende o final da Guerra Civil, presentando unha significación singular debido á procedencia dispar dos seus membros, a súa coherencia plástica, a pesar da forte individualidade de cada un dos seus compoñentes, e á súa ideoloxía comprometida e radical.

Manolo Millares nacera en Las Palmas de Gran Canaria, Antonio Saura en Huesca, Rafael Canogar en Toledo, Pablo Serrano en Crivillén (Teruel), Manuel Rivera en Granada, Antonio Suárez en Gijón (Asturias), Juana Francés en Alicante, Manuel Viola en Zaragoza e o critico José Ayllón en Tarragona. Soamente eran de Madrid Luis Feito e Manolo Conde. Prodúcese así unha confluencia na que vimos un paralelismo coa procedencia dispar e o seu encontro en Madrid dos compoñentes da chamada xeración do 98.


Os artistas Del paso iniciaron a súa formación nun ambiente artístico no que a modernidade se abría paso dunha forma precaria. En realidade, podería dicirse que a arte dos membros do grupo, ao igual que o doutros moitos artistas de vangarda de entón, non se correspondía coas condicións reais e históricas do país. A súa actividade foi un labor que tendeu unha ponte, un paso, entre unha modernidade invertebrada e unha vangarda radical. Para iso, ao igual que para outros pintores que viviron a aventura do Informalismo e construíron a poética da Arte outro, foi decisivo o coñecemento das realizacións da vangarda abstracta. A vangarda que tiña o seu centro e capital en París e o Expresionismo Abstracto norteamericano foron os puntos de referencia e contacto cunha nova linguaxe que inmediatamente asimilaron e fixeron propia. Neste sentido, os artistas Del paso realizaron unha arte na que existen varios compoñentes que forman parte dun denominador común: a primacía dunha expresividade agresiva e intensa; a redución intencionada da cor a uns límites mínimos para a súa existencia e, por último, a través diso, o convencemento nunha poética artística do compromiso.

Un dos aspectos que definen a dimensión plástica Del paso foi precisamente a súa preocupación e actitude crítica ante a realidade e o seu compromiso cunha situación histórica. A vangarda significaba rebeldía, ruptura. O compromiso coa realidade do momento supoñía unha mesma actitude de loita e negación do establecido que os membros Del paso identificaron coa súa práctica artística.


Unha fotografía de Manolo Millares, reproducida en diversas ocasións, na que o pintor aparece xunto a un deteriorado cartel no que se le «PROHIBIDO O PASO», é un testemuño preciso desta actitude a contracorrente. No manifesto Del paso (1957), afirmábase: «Cremos que a nosa arte non será válida mentres non conteña unha inquietude coincidente cos signos da época, realizando unha apaixonada toma de contacto coas máis renovadoras correntes artísticas. Imos cara a unha plástica revolucionaria -na que estean presentes a nosa tradición dramática e a nosa directa expresión- que responda historicamente a unha actividade universal».

Unha tradición dramática que ten a súa referencia na expresividade e agresividade radical da pintura final de Goya. O monocromatismo e a xestualidade de Saura, os ferros encontrados e soldados herdanza do dadaísmo máis radical de Pablo Serrano, as condensacións de materia de Feito, Suárez e Juana Francés, a esgazada angustia, existencial e patética das arpilleiras de Millares, as teas metálicas de Rivera, os nocturnos, ausentes de cor, de Viola, as espirais de Chirino e a xestualidade expresiva e palpitante de Rafael Canogar, inciden nunha idea esencial: o valor plástico e agresivo da tradición española e a súa recuperación para unha vangarda universal. O Paso foi un paso imprescindible na afirmación da vangarda e na consolización da modernidade artística e histórica de España.

Referencia: NETO ALCAIDE, Víctor. O Paso (1957 -1960), en Enciclopedia Madrid S.XX

DAU AL SET (GRUPO ARTÍSTICO)

Dau al Set é un grupo artístico vangardista español de Cataluña creado arredor da revista homónima en Barcelona, en setembro de 1948. O seu propio título (en español 'A sétima cara do dado') xa delata o seu carácter rupturista.

Os seus membros fundadores foron o poeta Joan Brossa (que creou o nome do grupo e a revista), o filósofo Arnau Puig e os pintores Joan Ponç (director da revista), Antoni Tàpies, Modest Cuixart e Joan-Josep Tharrats (editor e impresor desta). Ao pouco tempo se lles uniu o polígrafo Juan Eduardo Cirlot.

Adscrito en principio ao movemento surrealista ata converxer nun estilo propio, a revista que vehiculou o grupo comezou a publicarse en setembro de 1948 e deixou de publicarse en 1956. Non obstante Tàpies abandonou a súa vinculación á revista en 1951, aínda que seguiu contribuíndo esporadicamente ata a súa desaparición. Polo tanto, aprécianse dúas etapas na traxectoria deste movemento: a primeira, dende setembro de 1948 ata 1951, marcada sobre todo polo surrealismo, na que o líder foi Brossa e Cirlot desempeñou un destacado labor; e outra dende esa época ata o final, cunha apertura a outros estilos, dirixida por Tharrats, que se afastaba así de Brossa e Tàpies.1

A pesar desta efémera existencia, Dau ao Set está considerado como un dos primeiros referentes da vangarda artística interior posterior á posguerra española, tras o Grupo Pórtico de Zaragoza (xurdido en abril de 1947) e a Escola de Altamira, activa en Santander e en Madrid dende 1948.2 Posteriormente aparecería en Madrid en 1957 o Grupo o Paso.

sábado, 16 de julio de 2011

ALBERT RÁFOLS - CASAMADA

  
Naceu o 2 de febreiro de 1923 na cidade de Barcelona. Iniciou os estudos de arquitectura pero abandonounos para dedicarse de cheo ás artes plásticas grazas ao apoio do seu pai, Albert Ràfols i Cullerés. En 1950 obtivo unha bolsa para poder viaxar a Francia, onde se instalou en París ata 1954 xunto á súa esposa, a tamén pintora Maria Girona i Benet.

En 1980 foi galardoado co Premio Nacional de Artes Plásticas concedido polo Ministerio de Cultura e no 2003 co Premio Nacional de Artes Visuais de Cataluña concedido pola Generalidade. Así mesmo en 1983 foi distingido coa Creu de Sant Jordi e en 1991 coa Lexión de Honra do Goberno de Francia. É académico honorario da Real Academia de Belas Artes de San Fernando.
 

Faleceu o 17 de decembro de 2009.

miércoles, 6 de julio de 2011

JOAN PERE VILADECANS

Joan Pere Viladecans (Barcelona, 1948) é un pintor catalá.
Influído por Antoni Tàpies e Joan Brossa, comezou con obras nas que combinaba a pintura con diversos obxectos, misturando técnicas, cunha pincelada mesta próxima á pintura matérica.
A cabalo entre a figuración e a abstracción, a súa obra céntrase na natureza, o tempo e a vida.
1992 Expo de Sevilla.
1998 Museu de Zoología de Barcelona.
1999 Sala d'Exposicións da Fundació Caixa de Manresa.
1999 Centre d'Art Santa Mònica, Barcelona.
2001 UNDER DM 2000. Galerie Dreiseitel, Colónia, Alemania.
2003 Arbeiten auf Papier. Galerie Dreiseitel, Colónia.

Nos anos noventa mostrou a súa obra en Túnez (1991), na Expo de Sevilla (1992), en Oporto (1993), na Sala d'Exposicións da Fundació Caixa de Manresa (1999) e no Centred'Art Santa Mònica de Barcelona (1999).
Ao longo da súa carreira, que se iniciou en 1967, Viladecans expuxo en coñecidas galerias de arte e museos en España (Fundación Joan Ollou e Museu de Arte Contemporáneo de Madrid, entre outros moitos) e noutros paises de Europa e América, como Alemaña, Francia, Bélgica, Italia, Suecia, Polonia, EEUU, Canadá e Uruguay. Participou tamén en diferentes edicións da Feira de Arte Contemporáneo (ARCO) e no 50 aniversario das Nacións Unidas, en Barcelona.

Entre os recoñecementos á súa traxectoria profesional  inclúense a condecoración de Chevalier dans l'Ordre deas Arts et deas Lettres, outorgado polo Goberno francés en 1996, e o premio Award for Excellence, que lle entregou un ano despois a Society for News Design (Nova Iork).

TADASHI ASOMA


Tadashi Asoma, nado en Xapón en 1923, recibiu a súa educación no Colexio de Profesores de Saitama, Urawa, Gakko Bijitsu, Tokio; Grand Chaumière, Parides e o Art Students League, Nova Iork.

En 1958, Tadashi Asoma recibiu unha bolsa do goberno xaponés para estudar en Paris. A súa primeira exposición en Estados Unidos foi en 1961 na Sociedade Xaponesa en Nova Iork e San Francisco. Comezou a interesarse pola arte americana contemporanea e decidiu establecerse nos Estados Unidos. Finalmente mudou a Nova Iork coa súa família. Asoma produciu a maioria das súas pinturas durante a sua residencia nos Estados Unidos.

Durante os seus primeiros anos, viviu nun apeartamento preto do East Village en Nova Iork. Estudou pintado polo dia e pola noite mantiña á sua familia traballando nun restaurante. Finalmente, Asoma mudouse coa súa familia a unha pequena aldea a uns sesenta quilómetros ao norte de Manhattan, Garrison. Foi neste lugar onde Asoma entrou en contacto coa natureza e atopou a inspirazón para a súa arte.

Tadashi Asoma deléitase coa cor e retrata o troco das estacións coa expresión sensíble propia doun autor oriental.

Tadashi Asoma participou en exposición individuais e colectivas en todo o mundo, incluíndo Nova Iork, San Francisco, Tokio, Suíza e Alemaña. A súa obra está presente en moitas coleccións públicas e empresariais.

PASIN SLOAN

Pasin Sloan naceu en Chicago en 1946.
Graduouse en Marymount College, Tarrytown, Nova Iork, e recibiu a titulación en artes gráficas na Universidade de Chicago.

As súas pinturas, debuxos e gravados son proezas técnicas de visualizazón e de virtuosismo. A artista utiliza un estilo foto-realistas para representar obxectos reflectantes en conxunto sobre fondos estampados. Sen embargo, subverte os xéneros e estilos, infundindo un carácter tradicional a pintura de natureza morta con tendencias moi abstractas.


2009 Peltz Gallery, Milwaukee, Wisconsin
2008 Lewallen Contemporary, Santa Fé, New Mexico
2007 William Havu Gallery, Denver, Colorado
2006 Peltz Gallery, Milwaukee, Wisconsin
2005 J.Cacciola Gallery, New York.
2004 J.Cacciola Gallery, New York, Gerhard Wurzer Gallery, Houston, Texas
2003 Davidson Galleries, Seattle, Washington
2002 Karl Oskar Gallery, Kansas City, Missouri
1999 Tatistcheff and Company, New York,Peltz Gallery, Milwaukee, Wisconsin
1996 Butters Gallery, Ltd., Portland, Oregon ou Union League Club of Chicago.
1994 Butters Gallery, Ltd., Portland, Oregon ou Landfall Press Gallery, Santa Fé.
1993 Thimmesh Gallery, Minneapolis
1992 Roger Ramsay Gallery, Chicago (catalogue)
1991 Butters Gallery, Ltd., Portland, Oregon
1990 Peltz Gallery, Milwaukee, Wisconsin,Cam. Real Gallery, Boca Raton, Florida
1985 Sister Guala OU'Connor Gallery, Rosary College, River Forest, Illinois ou G. W. Einstein Company, Inc., New York
1984 ou Kirkland Fine Arts Center Gallery, Millikin University, Decatur, Illinois 1983 ou G. W. Einstein Company, Inc., New York
1982 Illinois State Museum, Springfield
1981 Frumkin and Struve Gallery, Chicago
1980 G. W. Einstein Company, Inc., New York
1979 G. W. Einstein Company, Inc., New York
1978 Landfall Press Gallery, Chicago
1977 G. W. Einstein Company, Inc., New York
1976 University Club of Chicago, Chicago ou Galesburg Civic Art Center, Galesburg, Illinois
1975 North River Gallery, Northeastern Illinois University, Chicago

MIGUEL MOSQUERA

Naceu, formouse e reside na cidade de Ourense na que os artista danse case por xeración espontánea. É alleo a facilitar datos personais, quizá porque entende que é a obra a que ten que falar e non o artista.

SELECCIÓN DE EXPOSICIÓNS E TALLERES
2010     Centro Cultural Deputación de Ourense.
2007     Galería PM8. Vigo.
2005     Colectiva Inauguración Centro Cultural Caixa-nova en Ourense.
2004     Feria Arco 2004, Madrid Galería Marisa Marimón.
2003     Galería Marisa Marimón. Ourense.
2000     Galería Trinta. Santiago.
1999     Galería Trinta. Santiago.
1998     Galería Trinta. Santiago.
1997     Sala Nasa- Santiago de Compostela. ,Centro Fernando de los Ríos- Madrid, Sala Municipal de Aranjuez.
1995     Mar de Fondo. Galería Abel Lepina Vigo. Colectiva de Grabado. Amadora. Portugal. Galería Abel Lepina. Vigo.
1994     Bienal Iberoamericana de Grabado. A Coruña.
1993     Trazos e Caminos. Itinerante. Taller Grabado - Claustro Montederramo. Ourense.
40 críticos/Jóvenes Artistas. Estación Marítima. Vigo.
Arco 93. Madrid. Galería Trinta. Exposición Pequeño Formato. Pontevedra.
1992     Arco 92. Madrid. Galería Trinta. Exposición Universal de Sevilla. (Expo 92). Sevilla.
1991     Galería Trinta. Santiago de Compostela. Galería Abel Lepina. Vigo. Gallaecia. Ourense Lorient. Francia. Club Financiero Atlántico. A Coruña. Casa Patas. Madrid.
1990 Revisión dunha Década 1978/1988. Auditorio de Galicia. Santiago y Casa de las Artes e Historia de Vigo. Casa das Artes e Historia. Vigo. Ay meu Ourense. Museo Municipal. Ourense. Encuentros Galicia - Portugal. Viana do Castelo. Revisión da Arte Actual Galego. Casa de la Cultura. Lugo.
S.P. Museo Arqueológico. Ourense. Galería Trinta. Santiago de Composteia.
1987     Galería Gruporzán. A Coruña. Edición Carpeta Grabados Artistas Gallegos. 1989 Galería Expresión. Ourense. 1 + 1= 12 Museo Municipal. Orense. Edición de carpetas grabados 4 Grabadores.
Paralelo 42. Casa da Parra. Santiago.
1986     Caja Postal. Santiago. Galería Sargadelos. Santiago. Galería Gruporzán. A Coruña.
S.N.B.A., Fundación. Calouste Gulbenkian. Lisboa.
1985     Sala Nicanor Pinole. Gijón.
1983     Museo de Bellas Artes. Santander. A Pintura Galega Hoxe. A Coruña. VIl Bienal. Pintura Española de los 80. Pontevedra. Escuela Universitaria de F.G.B. Ourense. Galería Sargadelos. Madrid.
1982     Sala Luís Seoane. Coruña. Arteder 92. Bilbao. VI Bienal. Pontevedra. Obra Gráfica Gallega. Santiago.
1980     X Ciclo Plástica Gallega. Caixa Vigo. Vigo. Montaje Plástico Urbano. Ourense. Galería Estudio 34. Ourense. Kanagawa Prefectural Galiery. Japón. Obra Gráfica. Ateneo. Ourense. Galería Sargadelos. Santiago. Sala Cala de Ahorros de Vigo. Vigo. Sala Cap. Zamora. Obra Gráfica. Ferrol. Sala Luis Seoane. A Coruña. IX Premio Grabado Carmen Arozena. Galería Abril. Madrid. Kanagawa Prefectural Galiery. Japón.
1978     Galería Arco da Vella. Lugo.
1977     Aula de Cultura. Santiago de Compostela. Museo Arqueolóxico. Ourense.
1976     Sala Municipal. A Coruña. Sala Torrado. Pontevedra. Sala Caja de Ahorros de Vigo. Vigo.
1975     Ateneo de Ourense. Mar de Plata. Argentina. Córdoba. Argentina. Santiago de Estero. Argentina. San Juan y San Pedro. Argentina. Librería Española. Buenos Aires. Plaza de la Princesa. Vigo.
1974     Institute of Spain. Londres. H.Okura. Amsterdam. Museo Bellas Artes. Santiago de Chile.
Ateneo de Ourense. Museo de Arte. Valparaíso. Chile.
1973     Museo Arqueoióxico Ourense. Alhambra de Granada.
1971     Volter do Tucho. Ourense.

OBRA EN (selección):
Worid Print Council. San Francisco. EE.UU.
Museo Bellas Artes. Santander.
Museo Carlos Maside Sada. A Coruña.
Centro Galego de Arte Contemporáneo. Santiago de Compostela.
Colección Xunta de Galicia. Santiago de Compostela.

KUMI SUGAÏ

Artista xaponés, nado en 1919 en Kobe.
Kumi Sugaï foi moi activo en Francia a  princípios dos anos 50.

Alumno da Escola de Belas Artes de Osaka, foi formado tanto nas técnicas pictóricas occidentais como na caligrafía tradicional.
Igual que numerosos artistas do seu país, naquel período, instálase en Francia, en 1952. O seu traballo suscita o interese e participa ao ano seguinte en diversos salóns que se organizan tanto en Paris como no estranxeiro (Fundación Carnegie en Pittsburg, Sao Paulo…).

A súa primeira exposición persoal ten lugar en Paris en 1954. Este acontecemento, e o ano 1954, son para él o punto de partida de numerosos exposicións que organiza no mundo enteiro nos dez anos que seguen. O estilo de Sugaï vai evolucionando. Á súa chegada a Francia, a súa técnica se aproxima ao graffiti sobre fondo de lienzos case sen cor; a partir de 1953, tende cara o uso de máis cores e aparecen os signos gráficos abstractos.

Uns personaxes-insectos, animais estraños, seguen presentes na súa obra. Desaparecen a partir do ano 1958, cando Sugaï decide renunciar a calquera evocación. Se lle compara con Gérard Schneider. As súas "grandes composicións emblemáticas" son a culminación da sua nova escritura.

En 1960, a arte de Sugaï muda de modo brutal, adoptando as posibilidades dunha abstracción xeométrica. Repítense as combinacións de formas trazadas coa regra e de cores variopintos aplicados sen relevo.

Sugaï morre en 1996.

KRABBE

Nado en 1951 en Demmin - Alemaña
Autodidacta
Vive e traballa en Neubrandenburg / Mecklemburgo - Pomerania Occidental, así como na illa de Usedom

1976 Se familiariza con artistas de Dresde, especialmente cos pintores do Grupo dos artistas antigos "A Brecha"
1977-1980 Accións conxuntas de pintura nun lanuxe castelo preto de Velgas
1988-1989 Traballa conxuntamente co pintor de Berlín Kübelbäck L.
1993-Creación do grupo de Nora: N. Krabbe, Schmetjen A., T. Storelli, traballo comunitario e persoal.
1997 disolución do grupo NORA

Traballo individual presente:
1977 Colección Privada, Dresde /Kluhn Colección, Pirna
1978 Kunert Apartamento, Berlín
1980, Souto de estudo en Dresde
1982 La Galería non souto, Dresde
1990 Galerie Michael Schultz, Berlín
SAGA FIAC Edition, París
Feira de Arte Os Angeles
1991 Galerie Michael Schultz, Berlín
Art Basel
Galería de Pilatus, Lucerna
Marschtorzwinger - Museo de Buxton
A. G. I. Berlín
1994 Grupo de NORA
Stadtwerke Oranienburg
Central dá caixa de aforros en Potsdam
Galería de ACME, Potsdam
Overbeck - Gesellschaft, Lübeck
Feira Arte de Frankfurt
Feira ARCO Madrid
1997 Mercado de Arte de Dresde
Arte Múltiple Düsseldorf
Museo de Arte Moderna Mittelhof / Mecklemburgo - Pomerania Occidental
Edición Sofía, Berlín

JOSEP GUINOVART

Josep Guinovart i Bertran. (Barcelona 1927-2007)
pintor, debuxante e gravador

Despois de realizar os seus estudos na escola Llotja e no Fomento de Artes Decorativas de Barcelona, gañou unha bolsa no ano 1953 do Instituto Francés para realizar unha viaxe a Paris de cinco meses.

Non ano 1994 inaugurouse un Museu en Agramunt dedicado á súa obra, poboación na que nacera a súa nai e da que sempre estivo vinculado.

Faleceu o 12 de decembro de 2007, a os 80 anos de idade.

Premios
1982- Premio Nacional de Artes Plásticas do Goberno de España.
1990- Premio Nacional de Artes Plásticas do Departamento de Cultura da Generalitat de Cataluya.
2003- O concello de Agramunt o nomea fillo adoptivo.


Museos onde se encontra obra súa :
Museo de escultura ao Aire Libre. Santa Cruz de Tenerife
Museo Nacional Centro de Arte Raíña Sofía. Madrid
Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.
Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona
Museo Eusebio Sempere. Alicante
Museo de Navarra. Tafalla
Museo de Belas Artes de Bilbao
Museo de San Telmo. San Sebastián
Casa dá América. A Habana
Museo de Bocchum. Alemaña
Fine Arts Museum of Long Island. Nova Iork
Museo de Arte Moderna. México DF
Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español. Valladolid

EVARISTO BENÍTEZ

Azuega (Badaxoz), España, 1957

Recoñecido pintor, escultor, profesor e gravador español, Evaristo Benitez realizou, ao longo da súa carreira, un grande número de colaboracións con escritores, poetas, fotógrafos e editores europeos, como por exemplo: Ignasi Riera, Serge Pey, Joan Brossa, Colita, Vicente Badenes, Jaume Pont ou M. Ángels Ballbe.

Exposicións (selección)

1988 - Salga de exposicións a Rectoria, Cornellá de Llobregat.

1989 - Galeria Matisse, Barcelona.

1990 - Centre Alexandre Cirici, Hospitalet de Llobregat.

1991 - Galeria Pergamon, Barcelona.

1993 - Galeria Matisse, Barcelona.

1997 - Arco, Edicións Poligrafa, Madrid.

1998 - Pace Arte Galeria, Belo-Horizonte, Brasil.

2001 - Lesmar, Arte e Proxectos, Sant Boi de Llobregat

2003 - Galeria ob-art, Barcelona

Na actualidade o seu traballo está máis centrado no video artístico

EDUARDO ARROYO

Eduardo Arroyo (naceu en Madrid, 1937) é un pintor español de estilo figurativo vinculado ao pop art. Clave da nova figuración española, Arroyo cobrou protagonismo no circuíto artístico nacional tardiamente, a partir dos anos 80, tras un afastamento de dúas décadas forzado polo réxime franquista. Actualmente, as súas obras colgan nos máis reputados museos españois e a súa creatividade esténdese ás escenografías teatrais e as edicións ilustradas.

VIDA E OBRA

Arroyo naceu en Madrid, pero, ten raíces leonesas. Tras finalizar a carreira de Periodismo (1957), trasladouse a París ("como moitos outros", segundo él) fuxindo do ambiente asfixiante do franquismo. Deixou atrás unha primeira etapa de caricaturista con incipientes coqueteos na pintura, aínda que a súa primeira vocación foi escribir, tarefa que prosegue ata hoxe.

Simultaneou a escritura coa pintura, pero xa en 1960 vivía do seu labor como pintor. A súa actitude crítica ante as ditaduras, tanto as políticas coma as artísticas, empurrouno a iniciativas controvertidas. Optou pola pintura figurativa nuns anos de apisoante dominio da pintura abstracta en París, e os seus primeiros temas recordaban á "España negra" (efixies de Felipe II, toureiros, bailarinas) pero en clave cáustica e nada romántico. Dun uso matérico da cor, Arroyo pasaría a unha técnica máis propia do "pop art", de colorido vivo e pincelada máis lisa. Temperán exemplo diso é "Robinson Crusoe", de 1965 (Lausana, Museo Cantonal de BB.AA.).

Arroyo expuxo nunha colectiva en París xa en 1960 ("Salón da Nova Pintura"), pero o seu primeiro impacto público produciuse tres anos despois, ao presentar na III Bienal de París unha serie de efixies de ditadores, que provocou as protestas do goberno español. Igualmente en 1963, Arroyo preparou unha mostra na galería Biosca de Madrid, que se inauguraría sen a súa presenza, xa que debeu fuxir a Francia perseguido pola policía; a exposición censurouse e pechou aos poucos días.

A opción figurativa de Arroyo tardou en ser aceptada en París. A súa primeira clientela máis ou menos estable foi italiana; grazas ás súas vendas en Italia puido subsistir en Francia.

Arroyo rechazaba a devoción incondicional por algúns vanguardistas (Marcel Duchamp, Joan Miró), que consideraba impuesta por modas. Pero aínda que o etiquetaron de reaccionario, é dobremente rebelde en realidade: desmitifica os grandes mestres e defende o papel do mercado como protector e termómetro da arte, fronte á rede de museos e influencias sufragada co diñeiro público.

Arroyo ridiculiza e "reinterpreta" os tópicos españois con toques surrealistas. Exemplo diso é o lenzo "Cabaleiro español", onde o protagonista pousa cun vestido de noite (1970; París, Centro Georges Pompidou). En 1974, Arroyo foi expulsado de España polo réxime, e recuperaría o seu pasaporte tras a morte de Franco, en 1976. Non obstante, o seu despegue crítico en España non foi inmediato e demoraríase ata principios dos 80; en 1982 outorgóuselle o Premio Nacional de Artes Plásticas de España, un desagravio polo esquecemento sufrido ata entón. Ese mesmo ano, o Pompidou de París dedícalle unha retrospectiva. O devandito museo posúe outra pintura relevante: "Ditosos quen como Ulises I" (1977).  

A súa actividade como escenógrafo arrancou co cineasta Klaus Grüber, e tivo un dos seus fitos en 1982, con "A vida é sono" de Caldeirón da Barca, baixo dirección de José Luis Gómez. En 1999 montou con Grüber a ópera "Tristán e Isolda", de Wagner, no Festival de Salsburgo. Tamén produciu esculturas e ilustra libros.

Arroyo conta actualmente con presenza nos máis importantes centros de arte. O Museo Raíña Sofía de Madrid expón dous lenzos, destacando "Carmen Amaya asa sardiñas no Waldorf Astoria", onde o personaxe se representa simbolicamente cun mantón andaluz. O Museo de Belas Artes de Bilbao, que lle dedicou unha mostra, posúe "O camarote dos irmáns marxistas", que mestura cine e comunismo, dous dos seus temas recorrentes. É afeccionado ao boxeo e foi convidado por Jose Maria Aznar á voda da súa filla. Reside nun chalé da Colonia Del viso, nas cercanias de Chamartin.

BORIS DOEMPKE

Nacido en 1955 en Münster
1976-1983 cursa estudos en Münster e Berlín
1984 Membro fundador de "The City" - o espazo das instalacións, Berlin Schöneberg

Vive e traballa en Bremerhaven e Munster

Exposicións individuais
1982 "O deseño e o estado, " DÍA Gallery, Berlín
1985 "Pintura", da Cruz Gallery, Berlin
1985 "Símultanstruktur" O sitio, Berlín
1986 "Wilbrand Gallery, Colonia 1986 "A Cidade", Galería Grupo Verde, Bremen
1986 "Na actualidade, " proxecto de exposicións do taller, Munster
1987 "O son da cidade", Galería Wilbrand, Koln
1987 "Sincronización real, " a ZeughofstraBe sitio, Berlín
1988 "Posición da Arte", Kunstverein Bochum 1990 "corte transversal" remise Cappenberger, Selm
1992 "on the run", Galerie im Künstlerhaus, Bremen
1993 Wilbrand Galerie, Colonia 1995 "A pintura e a instalación", Asociación de Arte de Emsdetten 1995 "transversal IV", Espazo de Arte Fuhrwerkswaage, Colonia 1997 "Cidade de exploración", Wilbrand Gallery, Colonia
1997 "Instalación e Pintura", da cidade. Galería de Schwäbisch Hall
1998 "Instalación pour Espace K., " Carlebach Gallery, Paris
1999 "icona: a cidade, " Wilbrand Gallery, Colonia
2000 "Area de imaxe", MUNICIPAL showroom Munster
2001 "Pintura", Galería Wilbrand, Koln
2001 "sincronización real", dixo Mike Karstens Gallery, Munster
2003 "rutas de rede", de San Juan, Herford
2003 "Cidade de exploración", Wilbrand Gallery, Colonia
2004 "cambo", Niederrheinischer Kunstverein, Wesel
2004 "vagabundo", SAP AG, Walldorf
2005 "novas obras", a galería de Mike Karstens, Münster de 2005 "Screenland, " Wilbrand Gallery, Colonia
2005 "transversal V", Cooperativa, Brunswick
2006 "Screenland", pinturas e arte instalación asociación Greven
2007 "vagabundo" Wilbrand Gallery, Colonia
2008 "cura instantánea", a galería de Mike Karstens, Münster
2009, rompendo IIR, Kunstverein Ahaus (con Camps Thuur)

Tamen realizou exposicións en:
Arnsberg, Berlín, Bochum, Bremen, Darmstadt, Gelsenkirchen, Hagen, Hannover, Colonia, Lüdenscheid, Múnic, Münster, Recklinghausen, Bruxes, Kaunas, Lodz, London, Mook, París, nas feiras de arte internacional: Basilea, Frankfurt, Colonia

CHRISTO & JEANNE-CLAUDE

Christo (Gabrovo, Bulgaria, 13 de xuño de 1935) e Jeanne-Claude (Casablanca, Marrocos, 13 de xuño de 1935 - Nova Iork, Estados Unidos, 18 de novembro de 2009) son un matrimonio de artistas que realiza instalacións artísticas ambientais, similares ao Land art.
Caracterízanse, principalmente, por utilizar tea para envolver xigantescos edificios ou cubrir extensas áreas públicas.
En xaneiro de 1958, Christo fabricou a súa primeira peza de "arte envolvida": cubriu un tarro de pintura baleiro cun lenzo remollado en acrílico. Amarrouno e coloreou con pegamento, area e pintura de automóbil. Un empresario alemán, chamado Dieter Rosenkranz, comprou varias obras pequenas "envolvidas" por Christo. Foi a través de Rosenkranz que Christo coñeceu o artista francés Yves Klein e o historiador da arte Pierre Restany.
En 1961, Christo envolveu barrís no porto alemán de Colonia. Este proxecto converteuse no primeiro onde Christo cubría obxectos de gran tamañao.
En 1962, a parella enfrontou o seu primeiro proxecto monumental, Rideau de Fer (Cortina de Aceiro, en idioma francés). Sen advertilos ás autoridades e como unha declaración en contra do Muro de Berlín, bloquearon con barrís de petróleo a Rue Visconti, unha pequena rúa sobre o Río Sena.
En febreiro de 1964, Christo e Jeanne-Claude chegaron a Nova Iork. Christo expuxo o seu traballo en diversas galerías, incluíndo a Galería Leo Castelli en Nova Iork e a Galería Schmela en Düsseldorf, Alemaña.
Christo e Jeanne-Claude prepararon o seu próximo traballo, "Umbrellas". O plan consistía en instalar paraugas azuis e amarelos en California e Ibaraki, Xapón, ao mesmo tempo.
En decembro de 1990, as bases para as antucas foron colocadas. Os pedestais de 8 m2 de longo foron ancorados ao piso con tensores de 1.500 quilopondios. En setembro do ano seguinte, os paraugas foron levados aos seus lugares por 2.000 traballadores. Para conservar a paisaxe, as bases foron transportadas aos seus sitios cun helicóptero. O custo final do proxecto foi de $26 millóns (dólares estadounidenses).
As cores das antucas foron elixidas co obxectivo de complementar a paisaxe onde fosen instaladas: o amarelo debía acentuar a herba cor ámbar presente nos outeiros de Southern California e o azul debía realzar a exuberante follaxe que rodeaba un río de Xapón.
O 7 de setembro de 1991, estaban instalados 1.340 paraugas azuis en Ibaraki e 1.760 paraugas amarelos no Tejon Ranch de California. A exhibición comezou o 9 de outubro. Un total de 3 millóns de persoas visitaron as antucas, cada unhas das cales medía 6 m de alto e 8,66 m de diámetro. Os paraugas convertéronse nunha grande atracción turística, algunhas persoas utilizáronos para facer pícnics e outras, mesmo, usáronos como altares de voda.
Máis proxectos realizados
Running Fence (Valo continuo, 1976), unha franxa de nailon de 5,5 metros de altura que se estendía ao longo de 40 quilómetros a través de dous condados de California. Tanto esta obra coma a anterior Valley Curtain (Cortina do val, 1972) foron tema de documentais realizados polos directores de cine de vangarda Albert e David Maysles.
Outras obras son as Surrounded Islands, Biscayne Bay, Florida (Illas rodeadas, 1982), once illas enmarcadas con 650.000 m2 de tecido de polipropileno, The Pont New Wrapped (O Pont Neuf empaquetado, París, 1985).
En 1995 empaquetou o Reichstag, en Berlín.
O seu traballo máis recente foi "The Gates" (2005), o que consistiu en instalar 7.503 marcos metálicos no Central Park de Nova York.
Entre os seus proxectos aínda non realizados están a Porta de Alcalá en Madrid e a estatua de Colón en Barcelona.

JORGE CASTILLO

Jorge Castillo Casalderrey (Pontevedra; 1933), pintor galego.
Pasa a súa infancia en Arxentina, onde o seu pai, negociante e viaxeiro, tivo que exiliarse por razóns políticas e onde morrerá en plena Guerra Civil Española.
A partir de 1950 dedícase intermitentemente a pintura e traba amizade con galegos notables residentes en Bos Aires, como Laxeiro, Manuel Colmeiro Guimarás e Luis Seoane.
Permanece na Arxentina ata 1956, ano en que volta a España e cumpre o servizo militar en Zaragoza, onde aprobeita o tempo libre para pintar. En 1958 traba amizade con Juana Mordó, entón a cargo da Galería Biosca. Relaciónase con artistas españois de renome. Estende inicialmente o seu nome a París e fixa residencia en Barcelona, onde casa en 1961 e enviúva dous anos máis tarde. Instálase en París e coñece á italiana Marienza Binetti, quen durante anos exercerá unha intensa influencia no artista, e a que retrata incansablemente. A súa obra ábrese camiños en toda Europa e en Nova Iork nos anos finais da década dos sesenta. O seu tríptico de grandes dimensións titulado "Palomares", sobre o incidente da bomba atómica perdida polos norteamericanos en augas do baixo Mediterráneo, alcanza fama mundial.
En 1969 é invitado a residir e traballar durante un ano en Berlín, onde realiza numerosas pinturas, gravados e esculturas. Nos anos sesenta a fama de Castillo consolídase, e as súas exposicións prodúcense nas principais galerías do mundo, o que dá lugar a que escriban sobre Castillo os máis importantes críticos.
En 1977 aparece a primeira monografía sobre o artista galego, escrita por Werner Haftmann.
En 1982 vincúlase á célebre galería Marlborough, referente da arte contemporánea en Estados Unidos.
En España conságrase definitivamente coa publicación da citada monografía de Ratcliff por edicións La Polígrafa.
Adquiren obra súa importantes museos, como o Guggenheim de Nova Iork, onde o artista fixa a súa residencia e ten un amplo estudo.
Na súa cidade natal, Pontevedra, dedícaselle unha sala especial durante a celebración da Bienal, en 1988.
A citada galería neoyorkina e o Meadows Museum de Dallas, Texas, dedícanlle grandes exposicións que se repiten en Barcelona e Santiago de Compostela durante o ano 1990.

EVA CASADO


Nace no 1976 en Suresnes, Francia.

Actualmente reside en Allariz.

Pintora, gravadora e ceramista comeza a súa formación academica no ano 1995 no taller do pintor ruso Igor Bitman.

Un ano máis tarde cursa a Licenciatura de Belas Artes na École Nationale Superieur des Beaux-Arts en París.

No 2001 realiza un proxecto de pintura mural para a Fundacion General UCM, residencia da terceira idade, Belmonte del Tajo, Madrid

No 2004 licenciase en Belas Artes na Universidade Complutense de Madrid.

E no 2010 colabora no taller do ceramista e escultor Xaime Piñeiro.

CARLOS PAZOS

Nace en Barcelona en 1949.
Artista experimental.
Realizou estudos de arquitectura e deseño na Escola Eina de Barcelona. Durante a década dos 70 entra a formar parte do movemento conceptual catalán, centrando a súa actividade na investigación sobre o corpo do artista, realizando instalacións e performances.
Nos anos 80 comeza a producir arte obxetual, na que integra, en obras xéralmente de pequeno formato e de dous ou tres dimensions, collages, debuxos, textos e obxectos atopados, expresando unha visión poética, irónica e amarga á vez. Na súa obra, que xoga co mundo irreal e co real dos obxectos cotiáns, co tempo pasado e co non vivido, combina a poética do obxecto con unha estética “kitsch”, establecendo xogos visuais coun intelixente carácter provocador.
A súa primeira exposición individual ten lugar no Ateneo de Barcelona en 1970, e durante esa década participa en colectivas como a Mostra d’Art Jove de Granollers ou a Mostra Internacional Tramesa Postal de Barcelona. En 1977 presenta a súa obra en Nova Iork e en 1978 no Centro G. Pompidou de Paris.
Expuxo en numerosas galerias españolas, como o Cento, o Metronom, o Centre d’Art Santa Mónica e a Caixa de Pensións, de Barcelona; as galerías Buades, Gamarra e Garrigues, Masha Prieto e Juana de Aizpuru, de Madrid; e a Samper e a Caixa de Pensións de Valencia.
Fora de España foi acollido pola Fachetti Gallery de Nova Iork, o CDRC de Nantes, o Centro de Arte Contemporánea A Rocca d’Umbertide en Italia, a Bienal de Sao Paulo e o Centro Albert Borschette de Bruselas.
En outubro de 2004 recibiu o Premio Mariano Benlliure do Concello de Madrid, na modalidade escultura, pola súa exposición Chispazos realizada no ano 2003 na galeria Amparo Gámir. no ano 2004 recebiu o Premio Nacional de Artes Plásticas:
“Concedida a D. Carlos Pazos pola orixinalidade e personalidade da sua obra, emparentada coa estética kitsch e coa poética do obxecto. Ademais tivo-se en consideración o humor subtil e intelixentemente provocador que se desprende das suas obras”.

SELECCIÓN DE EXPOSICIÓNS
En 1969 tivo lugar a sua primeira exposición, hei aqui algunhas desde 1990:
2007- MACBA, Barcelona
2001- "SINDETIKON". Museu de Teruel e Museu da Universidade de Alicante.
2000- "Proditerole: A morte dunha rosa branca". Acción na sesión "Poetes de Nova York". Barcelona Poesia. Convent dels Àngels. Barcelona. - "SINDETIKON". Salga Amarica. Museu das Belas Artes de Alava, Vitoria.
1999- "Shadows de Sombras" no percorrido de "Dobres Videiras". Museu da Música. Barcelona. - "Pa-zoos". Galeria Rosa Hernández. Alicante. - "De boudoirs". Galeria Van der Voort. Eivissa. - "Boudoir". Room Galeria Caris Taché. NEW ART BARCELONA. Hotel Sants. Barcelona. - "Problemático e febril". Galeria Fernando Latorre. Zaragoza.
1998- "…margari…". Espai per a Recerca i l'Intercanvi. Ca'n Xarracan. Monornés do Vales. Barcelona. - "Carlove no bosque riscador". Project Room de Gianni Giacobbi, Arte Contemporáneo. ARCO '98. - "Fromage de Tête". Centro de Arte Contemporánea. A Rocca d'Umbertide. Italia. - "O Mundo do Ritmo" Caligrama. Barcelona. - "O rato Migueliño". Alter Ego. Barcelona. - "Franca mente, cha, cha, cha". Galleria Lle Due Spine. Rovereto. Italia. - Dibuixos. Col.legi d'Arquitectes de Catalunya. Demarcació de Girona.
1997- "Luces na Trevoada". Galeria Trinta. Santiago de Compostela.
1995- "O veu do esquecimento". Joan Prats Gallery, New York. - "Fai tanto tempo". Galeria Juana de Aizpuru, Madrid. - "Dibus e culombios" Caligrama, Barcelona.
1996- "Privé". Sais d'Exposicións de Ca'n Palauet. Mataró. Barcelona. - "Privé". Gianni Giacobbi, Arte Contemporáneo. Palma de Mallorca. - "Vodoo Victims", con Steven Pollack. Caligrama, Barcelona.
1994- "For CP Fans Only". Salga Parpalló, Valéncia. - "Pazos Bazar". Galeria Charpa, Valéncia. - "Deprelio" Gianni Giacobbi, Arte Contemporáneo. Palma de Mallorca. - Obra Gráfica 1993. Espai Gràfic. Palma de Mallorca. - "O cementerio dos tragaperras". Galeria Miguel Marcos, Zaragoza.
1992- ARCO'92. Stand Galeria Cento. Madrid. - "Nenos bons, nenos maus", acción no ciclo "Tangents. Entorn da Performance", Salga Montcada da Fundació A Caixa, Barcelona. - EXPO '92. Pavillón de Cataluña, Seviña.
1991- "A meda é libre". ARCO'91. Stand Galeria Cento. Madrid. - "Collages". Galeria Masha Prieto. Madrid. - "Pazos Brand". Centre de Leitura de Reus, Tarragona e Escola de Belis Arts. Lleida. - "Moment choise". Galeria Lluch Fluixà. Palma de Mallorca.
1990- "L'Amour latent" e "Christmas Blues". Gallerie Camille Von Scholz. Bruxelas.

Obras en COLECCIÓNS
- Fundación A Caixa. - Centro de Arte Santa Mónica de Barcelona. - Museu de Arte Contemporáneo, Barcelona. - Museu de Belas Artes de Álava. - Museu de Teruel. - Fundación Antonio Pérez de Conca. - Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

WOLFF BUCHHOLZ

Buchholz, Wolff (Múnich 1929)

Wolff Buchholz: Un ben considerado pintor contemporáneo alemán, litógrafo e gravador. Estudou arte en Múnic e Berlín.
As súas pinturas foron expostas con regularidade nas principais cidades alemás dende 1954.

O seu primeiro traballo de arte gráfica orixinal foi publicado en 1957.

Dende esa data traballou extensamente nas técnicas de litografia, serigrafía, aguatinta e augaforte. Creando resultados provocativos e inovadores.

A arte de Wolff Buchholz inclúese en moitas coleccións importantes de Alemaña, Austria, Francia e Italia.

1979 Wolff Buchholz - Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden

1975  Wolff Buchholz, Bilder, Farbzeichnungen, Farbradierungen - Kunsthalle Bremerhaven, Bremerhaven

1971 Wolff Buchholz - Bilder, Graphik - Kunsthalle Düsseldorf, Dusseldorf

1970  Wolf Buchholz - Galerie M Beck / Edition Monika Beck, Homburg/Saar

1968  Wolf Buchholz - in der Galerie Kunst und Handwerk, Saarbrücken
Galerie M Beck / Edition Monika Beck, Homburg/Saar
Wolf Buchholz - Galerie M Beck / Edition Monika Beck

BRIAN KELLY

Brian Kelly é escultor e muralista, a súa participación na arte pública iniciouse en 1979 co traballo de dous murais dos edificios restaurados de Glasgow e do mosaico Easterhouse, o máis grande mosaico feito a man en Europa.

A partir de 1973 estudou gravado e pintura na G.S.A (A Escola de Arte de Glasgow) e ensinou no seu estudo, entre 1977 e 1979, técnicas de impresión.

Se muda a Londres como pintor.

Volveu a G.S.A. como técnico de impresión en 1981 antes de converterse en profesor.

Participa en exposicións colectivas como na Escocesa  "Imprimir Tres", e en Talleres Gravadores Dundee.

Traballou en paneis en relevo titulado "Modern Myth" en casas en Edzell Street, Whiteinch, Valencia (1987-88), e sentou as baldosas manteigoso construción, Anderston, na Fundación da Sociedade Anderston Tejedores.

VALERIO ADAMI

Valerio Adami (Bolonia, 17 de marzo 1935) é un pintor, deseñador e gravador italiano cun estilo baseado no cubismo.
Recoñecido como un dos artistas europeos vivos máis importantes, Valerio Adami singularízase polo seu persoal estilo, síntese de Cubismo, Pop art e Futurismo.
Recibe unha sólida formación no estudo de Achille Funi, na Accademia de Belle Artidei Brera, de Milán (1951-54). Instálase en París en 1957, e a partir de entón desenvolve a súa actividade a cabalo entre Francia e Italia.
O seu estilo inicial é expresionista, e combina imaxes violentas e chistosas, baixo influencia de Roberto Matta e as tiras de cómic.
Protagoniza a súa primeira exposición importante en 1962 (Londres, Institute of Contemporary Art), e pronto participa na Documenta III de Kassel.
A mediados dos 60, Adami fixa o seu estilo máis coñecido, de influencia pop: imaxes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensas cores planas. O seu proceso creativo arranca de fotografías e demais imaxes do seu ámbito, que esmiúza, combina e presenta en formas esquemáticas.
O seu éxito é rápido, e en 1968 representa a Italia na Bienal de Venecia.
Nesa época, decora con catro grandes murais a sede do Firstar Bank en Madison (Wisconsin, EUA)
As imaxes creadas por Adami ofrecen frecuentemente fragmentos da sociedade moderna, obxectos sacados de contexto e perspectiva e que así parecen novos. Nos seus primeiros anos de estilo pop, crea visións de espazos desertos, pero posteriormente representa personaxes da cultura moderna como Sigmund Freud e James Joyce.

A súa etapa máis recente, a partir dos 80, céntrase na creación de espazos fantásticos onde revitaliza os mitos da cultura occidental dende Ovidio, plasmando alusións á beleza, a creatividade, o desexo e o sexo.
Dedícaselle un número de Eighty, revista francesa sobre a arte dos anos 80; é estudado tamén por The New Yorker, e merece estudos críticos de Italo Calvino e Jacques Derrida.
En 1985 dedícaselle unha antolóxica no Centro Georges Pompidou de París e no Communo de Milán. Hai que destacar outras exposicións en Boston, Bruxelas, Hamburgo, México, Xerusalén, París (Musee d´Art Moderne de la Ville) e Milán (Palazzo Reale).
En 1993 créase a Academia-Fundación Adami en Liechtenstein.
En 2005, dedícaselle unha exposición de debuxos en Madrid. Non obstante, a súa presenza en coleccións españolas é moi limitada. Menciónanse obras súas no IVAM de Valencia, que lle adicará unha mostra individual a finais dos 90.

A NOSA IDEA

Cando asistimos a unha exposición ben nun museo ou nunha galería, podemos contemplar ademais das técnicas máis tradicionais dentro das artes plásticas, tales como o óleo, o guache ou a acuarela, outra forma de expresión pictórica coñecida como obra gráfica. Obra gráfica é un concepto xenérico que abrangue un conxunto de diferentes técnicas desenvolvidas ao longo de séculos, dende as máis tradicionais como a xilografía ata as máis modernas como a impresión Offset.

Todas elas nacen dunha mesma idea; a transferencia da imaxe creada polo artista sobre unha forma, que ben pode ser unha prancha metálica, de madeira ou de pedra ou un rolo, a un soporte, xeralmente papel ou tea.

Para que a obra gráfica sexa considerada como tal, débense cumprir certos requisitos; debe ser creación do artista, o cal debe traballar directamente sobre a prancha, a edición ha de ser limitada e as pranchas destruídas ao final do proceso, xa que desta forma se garante a orixinalidade de cada un dos exemplares. Tamén é importante que as obras estean asinadas polo artista ou que inclúan algunha marca ou selo propia do autor.
A Obra Gráfica Orixinal é recoñecida universalmente como unha das expresións máis importantes das Artes Plásticas xunto á pintura, o debuxo, a escultura e outras. É por isto que os grandes museos de todo o mundo contan con valiosas Obras Gráficas nas súas coleccións. O Museo Metropolitano de Nova Iork posúe máis de 1.5 millóns de obras, sendo unha das coleccións mais extensas do planeta. O Museo de Arte Moderna (MOMA) conta con máis de 50.000 obras que abranguen as técnicas, artistas e movementos dende 1880 ata os nosos días.

O pracer estético que proporciona unha Obra Gráfica Orixinal é difícil de comparar. A firmeza da xilografía, o aveludo da mezzotinta, as texturas do gravado, a delicadeza da litografía en pedra, a incrible gama de tons do giclé, cada unha das técnicas ten o seu particular forma de cativar e tender a ponte entre artista e espectador.

A historia da Obra Gráfica ten unha tradición de máis de 500 anos e permitiu aos artistas experimentar con novas técnicas, soportes (papeis), pigmentos, nun proceso constante de creación e descubrimento.

Tamén lles permitiu aos artistas difundir a súa arte e ampliar o seu rango de acción. Tal foi o caso no renacemento, cando a técnica do gravado serviu para que tanto o público coma outros artistas, coñecesen o traballo dos Grandes Mestres.

O traballo sobre o papel aliméntase das innovacións dos artistas, que xeralmente toman algunha técnica xa existente e a modifican para poder crear arte. O inventor da litografía, creou esa técnica para imprimir partituras de música. Pero ao pouco tempo o potencial deste método foi descuberto e desenvolvido por Delacroix, Goya e Daumier. A serigrafía de arte naceu do "Silkscreen", que era e é utilizado na industria téxtil e na publicidade.

A historia da Obra Gráfica ten unha tradición de máis de 500 anos e permitiu aos artistas experimentar con novas técnicas, soportes (papeis), pigmentos, nun proceso constante de creación e descubrimento


Unha boa Obra Gráfica Orixinal valorízase co tempo. Isto demóstrase polos altos prezos que chegan a alcanzar nas famosas casas de poxas. Ata agora, o récord para unha Obra Gráfica Orixinal da historia, corresponde a un gravado de Pablo Picasso, " Le repas frugal", en edición de 250, que foi vendido por 1,18 millóns de dólares na casa de poxas "Christies", en Londres. A Obra Gráfica tampouco escapa do interese dos "amigos do alleo", quen tamén sabe do valor destas pezas. No ano 2005, na Galería de Arte de "Desert Palm" en California, os ladróns leváronse unha litografía de Chagall e un linóleo de Picasso, "a tribo de Dan" e "Femme regardant" valoradas respectivamente en 35.000 e 53.000 dólares cada unha.

Este itinerario de tres exposicións ( A Fabrica- Fundación Vicente Risco - A Micalla), é o inicio dun ambicioso proxecto para que Allariz sexa un referente na arte contemporánea e sobre todo na difusión da Obra Gráfica.